sábado, diciembre 15, 2012

Sacro y Profano: Tiziano, Velázquez, Rubens, Ingres y Manet

Un repaso de los pintores influídos por Giorgione y su Venus Dormida, entre los cuales se destacan Tiziano, Velázquez (Venus del espejo), Rubens, Ingres y Manet.


Tiziano sigue pintando mujeres desnudas

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Tiziano era un pintor muy estimado por Felipe II, quien atesoró excelentes obras del italiano. Rubens realizó varios viajes a España desde 1603 a 1629. Al holandés le maravillaba el colorido, la sensualidad, belleza y fuerza de los trabajos de Tiziano, y aprovechó sus estancias en Madrid para copiar, o mejor, reinterpretar sus cuadros más admirados.

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El tema iconográfico de la Venus y el espejo que plasmó Tiziano ha tenido muchas derivaciones en la pintura, y tiene ya una raíz clásica. "La belleza reflejada en el espejo es un tema que a partir del cuadro de Tiziano se convirtió en uno de los favoritos de muchos pintores".


Velázquez pinta una y revoluciona el arte español

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La obra representa a la diosa Venus en una pose erótica, tumbada sobre una cama y mirando a un espejo que sostiene el dios del amor sensual, su hijo Cupido. Se trata de un tema mitológico al que Velázquez, como es usual en él, da trato mundano. No trata a la figura como a una diosa sino, simplemente, como a una mujer. Esta vez, sin embargo, prescinde del toque irónico que emplea con Baco, Marte o Vulcano.

La Venus del espejo es uno de los primeros desnudos integrales de la pintura española, ejemplo único en la pintura española hasta ese momento54 y el único que queda ejecutado por Velázquez. Sin embargo, están documentados otros tres desnudos del artista en los inventarios españoles del siglo XVII. Dos se mencionan en la colección real, pero pudieron perderse en el fuego de 1734 que destruyó el Real Alcázar de Madrid. Otro más se documentó en la colección de Domingo Guerra Coronel.21 Estos documentos mencionan «una Venus reclinada», Venus y Adonis55 y el tercero Cupido y Psique.45



El desnudo era muy inusual en el arte español del siglo XVII,56 siendo oficialmente desaconsejado. Tanto la pintura como la exposición en público de un desnudo lascivo, entendiendo por tal en términos generales el desnudo mitológico, se consideraban pecado mortal. Sin embargo, dentro de círculos intelectuales y aristocráticos, eran admitidos como objetos de artísticos, dejando de lado la cuestión de su moralidad, y no es raro encontrar desnudos y mitologías en los inventarios de las colecciones privadas.38 La colección real de los Austrias contenía desnudos mitológicos, realizados por Tiziano y otros artistas venecianos renacentistas.1 El patrón de Velázquez, el rey Felipe IV, amante del arte, poseía una serie de desnudos de Tiziano y de Rubens en su colección, y Velázquez, como pintor del rey, no tenía necesidad de tener miedo por pintar un desnudo.6 Coleccionistas destacados, incluido el Rey, tendían a guardar los desnudos juntos en una sala relativamente privada;57 en el caso de Felipe «la habitación donde Su Majestad se retira después de comer», que contenía poesías de Tiziano que había heredado de Felipe II, y los Rubens que él mismo había encargado.58 La Venus estaría en una habitación semejante cuando estuvo en las colecciones tanto de Haro como de Godoy. La corte de Felipe IV «apreciaba [grandemente] la pintura en general, y los desnudos en particular, pero  ... al mismo tiempo, ejercía una presión sin parangón sobre los artistas para evitar la representación del cuerpo humano desnudo.»55



La actitud española contemporánea hacia la pintura de desnudos era única en Europa. Aunque semejantes obras eran apreciadas por algunos aficionados e intelectuales dentro de España, eran en general tratadas con sospecha. Las mujeres de entonces lucían escotes bajos, pero según la historiadora del arte Zahira Veliz, «los códigos del decoro pictórico no permitirían fácilmente a una dama conocida ser representada de esta manera».59 Para los españoles del siglo XVII, el tema del desnudo en el arte estaba limitado por conceptos de moralidad, poder y estética.


Rubens se copia de Tiziano y luego se obsesiona con Susana y los viejos

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Durante el siglo XVII, Rubens aprovechó sus estancias en Madrid para pintar una serie de obras, reinterpretando magníficos cuadros de Tiziano, albergados en la pinacoteca real española. Juntar ahora los modelos ticianescos y las reinterpretaciones de Rubens es un placer que siempre proporciona visiones sugerentes del arte.

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La gran odalisca de Ingres

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Manet se va de mambo

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Explícitamente inspirada en las Venus de Urbino de Tiziano, sin embargo el personaje central resulta ser evidentemente una prostituta parisina. En lugar de las doncellas que acompañaban a los desnudos del Cinquecento, entra en escena llevando un ramo de flores una mujer negra, cuyo rostro, casi imperceptible sobre el fondo oscuro, contrasta con los tonos claros de su vestimenta oriental. Por otra parte las carnaduras de la mujer desnuda que mira directa y provocadoramente a los espectadores son contrastadas junto a las sábanas y las almohadas por el fondo oscuro, resaltando la atmósfera de íntima sensualidad. En lugar del cándido perrito arrollado que se encuentra en la Venus de Urbino, a los pies de Olympia encontramos un despierto gato negro que simboliza a menudo la ambigüedad y la inquietud, estando implicado en relaciones o situaciones promíscuas o veladamente eróticas. Este felino negro impresionó tanto al público que durante años Manet sería recordado aún como «El pintor de los gatos». Otros elementos simbólicos notorios: el brazalete que lleva la mujer desnuda pertenecía a la madre de Manet, el ramo de flores era un típico regalo que los clientes ofrecían a las meretrices de clase alta. La orquídea entre los cabellos es también una referencia al sexo ya que se creía que tal flor poseía poderes afrodisíacos (de hecho el nombre de la orquídea tiene etimología sexual). Por otra parte Olympia calza una sola pantufla, esto en las pinturas alegóricas ha sido usado como símbolo de la inocencia perdida, además cabe notar que la orquídea, el brazalete y la pantufla con taco (por lo cual parece casi un zueco) cumplen la función sexual de fetiche.

A pesar de la audacia conceptual de este cuadro, su temática se inscribe en una larga tradición de la pintura académica, aquella de la odalisca y la esclava, tal como se observa en las Odaliscas de Ingres e incluso en la Odalisca de Bénouille y la de Jalabert, realizadas en 1840. Aunque Manet ha sabido quitar el subterfugio para representar a la mujer desnuda y es de este modo que se encuentra una suerte de directa filiación con su precedente: La maja desnuda retratada por Goya.

En cuanto a este cuadro de Manet, otro de los motivos para el escándalo fue que la mujer pintada era bastante conocida en París: la modelo y también pintora Victorine Meurent, amante de Nadar y amiga de Manet, el cuál la representó en otras de sus obras como El Almuerzo sobre la hierba.

http://1.bp.blogspot.com/-cPw9A0jQjcE/Txe8LZFybgI/AAAAAAAAAAc/atxEx6yHoLI/s0/Manet.jpgEl tono general de la obra de Manet no es el de un pintor radical únicamente preocupado por el mundo visual. Él es un sofisticado habitante de la ciudad, un caballero que se ajusta en todo al concepto decimonónico de dandi: un observador distante, refinado, que contempla desde una elegante distancia el espectáculo que le rodea. Desde este punto de vista, Manet concluye el que será, sin duda, uno de sus cuadros más escandalosos, rechazado en el Salón de 1863 y expuesto en el de los Rechazados, Almuerzo sobre la hierba.3

El reto lo planteaba una realidad contemporánea, los bañistas del Sena, y la escena estaba reformulada en el lenguaje de los viejos maestros (el cuadro está claramente inspirado en la Fiesta campestre del Giorgione), compitiendo con ellos y, al mismo tiempo, subrayando las diferencias. Las escenas con el tema del ocio en el campo estaban ya muy enraizadas en el arte occidental y abundaban tanto en las ilustraciones populares como en el arte académico, pero el cuadro de Manet pertenece a un orden distinto, desconcertante por la evidente inmediatez con que se enfrenta al espectador.
Este cuadro obtuvo la repulsa unánime del público y la crítica. Sólo lo aceptaron y comprendieron sus compañeros, los jóvenes pintores del momento. Lo que escandalizó no fue el desnudo en sí, sino el modo de presentación con vestimentas modernas y un cuerpo femenino vulgar, lejos de la perfección.




Pero más escandalosa todavía fue la Olympia, pintada en 1863 pero no presentada al Salón hasta 1865, donde fue rechazada. Entre las razones por las que este cuadro iba a resultar chocante no son las menos importantes el hecho no sólo de que es una clara parodia de una obra renacentista, (la Venus de Urbino del Tiziano), sino también una flagrante descripción de los hábitos sexuales modernos.3

Manet sustituye en él a una diosa veneciana del amor y la belleza por una refinada prostituta parisina. Pero lo que realmente desconcertó a los críticos de la época es que Manet no la sentimentaliza ni la idealiza, y Olimpia no parece ni avergonzada ni insatisfecha con su trabajo. No es una figura exótica o pintoresca. Es una mujer de carne y hueso, presentada con una iluminación deslumbrante y frontal, sobre la que el pintor muestra un perturbador distanciamiento que no le permite moralizar sobre ella.
Ambas obras entusiasmaron a los pintores más jóvenes por lo que suponían de observación directa de la vida contemporánea, por su naturalidad y por su emancipación técnica. Manet se convirtió así, casi sin quererlo, en el personaje principal del grupo que se reunía en el Café Guerbois, la cuna del Impresionismo.


Odaliscas de carne y hueso

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Stéphane Lallemand es un fotógrafo francés que ha logrado maravillas. Entre ellas se puede apreciar una serie de fotos donde recrea las pinturas de Jean Auguste Dominique Ingres, entre ellas un par donde la modelo evidentemente se aleja de los parámetros de belleza del siglo XVIII, pues aparece repleta de tatuajes.

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Al igual que el trabajo artístico de Brian Cummings, quien intentaba emular la estética del barroco con un toque del siglo XXI, el caso de Stéphane se va un poco más allá, pues no solo emula la iluminación y texturas, sino que además recrea a las pinturas casi a la perfección.

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Ingres, Durero, Poussin, Manet, Courbet y Boucher son algunos de los pintores en cuya obra Lallemand se inspira para componer las fotografías de la serie, y la idea no es nueva, porque ya en la segunda mitad del siglo XIX, a poco del nacimiento de la fotografía, muchos fotógrafos (y muchos de ellos pintores de profesión) se propusieron trasladar al nuevo medio los temas y el rigor plástico de la pintura. A esto se le llamó corriente pictorialista, pero existía entonces, y también hoy, un abismo esencial entre la pintura y la fotografía, y Lallemand lo sabe bien.

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Hay que reparar por tanto en la dificultad que entraña lograr que una lente fotográfica capte una imagen que de algún modo sea similar a una obra pictórica. Es preciso un control absoluto del punto de vista, la luz, y los elementos que componen la escenografía de la imagen. El extremo cuidado que Lallemand pone en esto, y que dan como resultado unas fotografías exquisitas, lleva aparejado en su caso algunos descuidos muy conscientes que impiden al fotógrafo lograr una recreación completa. Caer en el mimetismo absoluto sería un error, y anularía el sentido de estas imágenes en las que un auténtico y rendido homenaje a ciertos maestros de la pintura convive con una despreocupada ironía, con un distanciamiento como de broma privada, de juego, de boceto sin más pretensiones que una puesta a punto del ejercicio de la visión: la confrontación de dos medios de expresión radicalmente diferentes.

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Imagen

Las fotos son impecables y realmente agradables de mirar. Lallemand, a modo de introducción, justificación y consejo, en la apertura de su catálogo nos advierte:

Un estudio, realizado por un equipo de investigadores americanos, podría demostrar que un entrenamiento diario consistente en la observación prolongada de los encantos femeninos, preserva a los hombres de las enfermedades cardiovasculares. Pero me parece que los resultados de este estudio son conocidos, de manera empírica, desde la más lejana Antigüedad por la mayor parte de los artistas. Yo, que me aproximo ya a la cincuentena, he decidido prevenir los riesgos coronarios mediante una práctica asidua del arte, un “recalentamiento” del nervio óptico, aún a riesgo de caer exhausto, a través de un tema tan viejo como el mundo… Stéphane Lallemand

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ENLACES/FUENTES:
http://es.wikipedia.org/wiki/Venus_del_espejo
http://es.wikipedia.org/wiki/Olympia
http://es.wikipedia.org/wiki/Manet
http://es.wikipedia.org/wiki/Anexo:Cuadros_de_Peter_Paul_Rubens
http://ladamadesnuda.blogspot.com.ar/2012/05/pintores-de-la-a-la-z-titian-tiziano.html
http://ladamadesnuda.blogspot.com.ar/2012/02/damas-durmiendo-desnudas.html
http://ladamadesnuda.blogspot.com.ar/search/label/Ingres
http://ladamadesnuda.blogspot.com.ar/search/label/Odaliscas
http://ladamadesnuda.blogspot.com.ar/search/label/Serge%20Marshennikov
http://ladamadesnuda.blogspot.com.ar/search/label/Sleeping%20Beauty
http://ladamadesnuda.blogspot.com.ar/search/label/Venus
http://theseductionofvenus.blogspot.com.ar/
http://venusobservations.blogspot.com.ar/search/label/European%20Art
http://www.guiarte.com/madrid/noticias/las-venus-de-rubens-y-tiziano.html
http://www.youtube.com/user/artehistoriacom/videos

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